全真乐队的录制，有两种常用的方法和一种不常使用的方法。
一种乐器接着一种乐器单独的彼此互不干涉的分轨录制；一种乐器在其他乐器的配合下分轨录制--这两种都是常用的方法，叶梓为“白玉兰乐队“录制专辑使用的就是后面这一种方法。另外一种不常使用的方法在几十年以前其实是最常见的录制方法，那就是整支乐队一起进行同步录制。最早的时候录制出来的是单声道音乐制品，后来进步成双声道的立体声音乐制品，全都是一次性录制完成。到了现在随着科技的不断进步，进行这种同步录制的时候已经同样可以做到让每种乐器都能分轨录制，当然也可以不分轨，就看专辑的需要和录音师的设想安排。
这三种方法各有优劣。
像上一次“白玉兰乐队”为叶梓录制《同桌的你》，叶梓使用的就是第一种方法，一种乐器单独录完了那就完事儿了，接下去其他乐器分别一一进行录制，彼此之间互相并不干涉。这种方法的好处是每一种乐器都能精心录制，不会有模糊不清的面貌出现，但是成品听上去就不会有乐队的那种整体感觉。就算后期制作的时候精心修正，还是会让人听出一些不自然。使用这种方法录制单纯的歌曲伴奏没有任何问题，因为歌曲的主体是歌手的演唱，乐队起到的是伴奏作用，对于整体性的要求不是那么高。
但是使用这样的方法录制乐队作品，那就会比较欠妥。
在乐队作品当中，演唱并不属于作品的主体，它只是作品最直接的那个“说”而已，更多的更深的内容其实隐藏在每一种乐器的演奏里面。乐队作品当中使用的每一种乐器都有它必然存在的重要性，基本上属于无可替代，而且各种乐器相互之间还会彼此影响，牵一发动全身。如果使用第一种方法进行录制，所有乐器之间的联系都是隐隐割裂开来的，那就很难形成“一支乐队”这样的统一感觉，对于一首乐队作品这就是彻头彻尾的失败。
所以录制乐队作品的时候，没有哪一位录音师会选择第一种方法进行录制，最常使用的就是叶梓现在使用的第二种方法。
……
按道理说，乐队作品最应该使用的就是整支乐队（包括演唱在内）一起进行的同步录音，那样录制下来的整体感觉和现场感觉、即兴感觉（例如爵士歌曲就要求歌手的即兴发挥）等等都会是最出色的，这就有点像录音棚里进行的现场演唱会。不过这样的方法不仅要求录音设备要达到一定的等级要求，而且对于乐手、歌手以及录音师都有极高的要求，演奏演唱水准、录音技术要求、彼此之间的默契程度等等全都缺一不可，稍微有点差错、比如说演唱走音之类，这一遍的录音就得全部推倒重来。
在节奏越来越快、商业气息越来越浓郁的现代社会，这样的方法耗时费力而且投资巨大--想象一下邀请一支十五人规模的弦乐团十天半个月（可能还不止）跟着进行录音，就知道使用这种方法的费用有多大了。而普通歌迷却又并不能完全分辨其中的奥妙，那当然就会被逐利而行的唱片商们渐渐舍弃。偶尔需要打广告标榜自己的实力的时候，才会拿出来使用一下。
没办法，这就是现状，所以我们只说第二种最常用的方法，就拿现在陷入僵局的黄智健的录音来举例子。
叶梓录制黄智健的主音吉他，按照这种方法那就是这样安排：黄智健在单独的录音室里独自演奏，叶梓在外面进行分轨录音，杨正明、老戴这些乐手就在其他的录音室内为黄智健进行现场“伴奏”。
因为在录音的时候就像平时的排练和演出一样，有自己的队友同时进行演奏，所以使用这种方法进行录制的作品各种乐器之间的联动感觉、协作感觉都会大大增强，乐队的整体感会非常突出。
这是录制乐队作品最需要的特点之一。
但是这样的录制就有一个问题，那就是所有的乐器最好能在一天之内全部录制完毕。大家都知道录制人声的时候最好能在一天之内全部录完，而不能今天录一点，明天再录一点，那样会造成整首歌曲的不协和。因为歌手每天的嗓音状态不同会导致音色上的变化，虽然同一个歌手的音色变化并不会非常明显，但是前后拼接在一起，资深的歌迷一下子就能听出歌曲拼接的痕迹。普通歌迷就算耳力不够听不出来其中的不同，但是在感觉上也会觉得有点不太对劲儿。
这是基本上稍微资深一点的歌迷都能知道的事情，其实录制乐器也是一样的道理。
就说电吉他好了，今天演奏的时候，电吉他的调弦紧一点，同样音高下电吉他的声音就会稍微偏亮偏尖一点；明天调弦松一点，音色就会偏柔和偏沉稳一点，这就是不同。
这样的不同放在歌曲伴奏里面，精心修饰之后还能蒙混过关，但是放在乐队作品当中，乐器演奏占据了很大部分比例，也是录音师重点调整的部分，那是无论如何都无法混过去的。
那么，在一天之内完成录音就成为了必然，否则那就要重头再来。
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